ABC-Art Belge Contemporain

Proximity and evidence make us blind: France is unaware of the inventiveness, the diversity and the current creative agitation of some of our closest neighbours. However, for the Northern region, with the ABC exhibition of Belgian contemporary art, there is real fraternity, a cultural permeability which, paradoxically, has not erased the borders in the way that, for example, American, German and even Japanese artists have done in favour of fashion and the art market. In many respects, Belgium has made an impact on all the current artistic disciplines: dance, theatre and the visual arts which including the invented forms where these practices merge. Collectors and amateurs in Belgium have been essential in accompanying this contemporary effervescence.
ABC is an exhibition that does not claim to be a comprehensive portrayal of the diversity of the contemporary scene in Belgium. The disciplines most particularly taught and practiced at Le Fresnoy have formed the criteria of priority for selection purposes: photography, film, video, installation, performance and choreography. And these are the exact areas where Belgium has recently been excelling, drawing from its inheritance of documentary film devoted to other disciplines – in this the work of Jeff Cornelis continues to maintain the tradition, – through experimental film (with his legendary festival in Knokke-le-Zoute) in a specific anarcho-dadaist tradition and finally quite simply with poetry of “beyond-the-limit” attitudes which, in the past, gave rise to spectacular provocations. “I think that Flemish and Walloon artists are not particularly affected by internationalism. Belgium is possibly an artwork itself, and like every good artwork, it is a disappearing exercise which will continue to fascinate us and defy us.” This is what Jan Fabre said one day and I retain two words that form a dumbfounding paradox, symbolist even: fascination and defiance. And we know how important art and symbolist poetry was for Belgian art, characteristics that continue to irrigate the most radical current practice.
Further more, the exhibition is based on the hypothesis – and this was another factor of selection in the itinerary of the exhibition – that Belgium is probably the only country to perpetuate the cohabitation and mutual influence of two currents generally taken to be contradictory in post-1945 art: a conceptual, minimal trend and a post-dadaist trend with pranks verging on burlesque idiocy.
(…)
It is a fragile country on the verge of implosion, drawn towards the idea of disappearing some say with an anarcho-poetical complacency that has become a cliché. In the last thirty years in
Belgium there has been an exciting emergence of artists who do not wish to implode or disappear. A vitality based on a tradition of impertinence, provocation and nourished by the powerful and persistent belief in poetry, including the conjugation of visual forms where writing is the driving force. Symbolism, Surrealism and Minimalism form a specific trinity of which there is no equivalent in Europe and which forms the framework of ABC.
Dominique Païni, curator
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Proximités et évidences aveuglent : la France méconnaît encore la richesse, la diversité et l’actuelle agitation artistique chez l’un de nos plus proches voisins. Et pour la région du Nord, il s’agit d’une véritable fraternité, d’une perméabilité culturelle qui paradoxalement n’a pas effacé les frontières,
tels que des artistes plus lointains – américains, allemands et même japonais – ont tenté de le faire en ayant les faveurs des modes et du marché de l’art. A bien des égards, la Belgique a marqué vivement toutes les disciplines artistiques actuelles : danse, théâtre, arts plastiques, y compris en inventant des formes qui mêlent ces disciplines. Les amateurs et les collectionneurs
de Belgique ont été dynamiques pour accompagner cette effervescence contemporaine et Le Fresnoy les a fréquemment accueillis. La Belgique est sans doute le pays européen par excellence, et nous pouvons faire l’hypothèse qu’il est le reflet idéal des évolutions de l’art européen actuel.
La scène des arts plastiques, particulièrement la scène européenne, a subi les conséquences extraordinaires des événements de novembre 1989 liés à la chute du mur de Berlin. C‘était la fin brutale de la guerre froide, la fin annoncée de la division de notre monde en deux systèmes sociétaux antinomiques. Nous étions devant une toute nouvelle situation tandis que, confrontés à cette chute des idéologies, ou du moins de l’une d’elles, certains philosophes évoquaient déjà la fin de l’Histoire. Alors que musées
et institutions s’apprêtaient déjà aux inévitables bilans fin de siècle, alors que le marché de l’art vivait en 1990-1991 une tourmente sans précédent après de trop fastes années, alors que s’annonçait la fin des avant-gardes classiques– ces avant-gardes désormais historiques, même les plus récentes – et qu’on déclarait l’art en crise, on remit en cause la modernité occidentale, phénomène enthousiasmant, on critiqua l’hégémonie de sa pensée.
Rarement il fut autant question de territoires : territoires de la mémoire, territoires de l’art, globalisation débordante et localisations vivifiantes.L’espace est à décoloniser, l’art aussi, plurivoque et multimédiatique.
Les années 90 seront nomades ; les frontières tombent, l’information tourbillonne dans l’Ethernet et les artistes circulent, c’est une décennie de transhumances. En Europe s’estompèrent peu à peu diverses esthétiques fondamentales et traditionnelles, propres à des régions qui auparavant ne se connaissaient que fort peu. L’attention se tourna aussi vers Bratislava, Belgrade, Riga, Vilnius ou Sofia, moins sans doute que vers Londres ou Berlin, mais on évoqua à nouveau les notions de centre et de périphérie, les concepts de distance et de proximité.
Des vagues vinrent de l’Est, d’autres du Nord. Les années 90 seront celles de l’immédiateté. La décennie précédente fut également jugée formaliste ; d’aucuns mirent en doute ses dispositifs culturels, les considérant parfois sans contenu. Il n‘était pas loin le temps où la légitimation de l’art par les musées serait elle aussi remise en cause. Même les pratiques d’expositions changèrent : la Documenta IX, celle de Jan Hoet, fut protéiforme. Jamais Documenta n’avait rassemblé autant d’artistes.

Jan Fabre dit un jour : « Je pense que les artistes flamands et wallons ne sont que très peu affectés par l’internationalisme. La Belgique est peut-être une oeuvre d’art, et au même titre que chaque bonne oeuvre d’art, elle est un exercice de disparition qui continuera à nous fasciner et à nous défier ».
Nous retenons dans ses propos, les deux derniers mots plus particulièrement, qui sont proches d’un paradoxe méduséen, symboliste au fond : fascination et défi. Et on sait l’importance qu’eurent l’art et la poésie symbolistes dans l’art de Belgique, traits qui continuent d’irriguer les plus radicales démarches conceptuelles actuelles. Si les artistes belges sont en effet peu sensibles à
l’internationalisme, c’est à leur forte identité qu’ils le doivent. L’exposition que Le Fresnoy propose, révélera probablement au contraire, que c’est paradoxalement cette forte identité qui offre tant d’attraits aujourd’hui sur la scène internationale.
ABC Art Belge Contemporain réunit des artistes émergents et des artistes dont nous estimons qu’ils sont les clés et les origines de cette émergence. Ce sont des artistes actifs au premier plan des grandes villes du pays (Anvers, Bruxelles, Gand, Liège) ou se déplacent fréquemment à l‘étranger pour être en prise directe avec les enjeux artistiques actuels. Nous avons également pris en
compte la proportion croissante des artistes étrangers installés en Belgique dans la composition des scènes belges contemporaines. C’est au prisme de cette perspective internationale qui traverse l’horizon de l’art et qui, depuis une bonne décennie, entérine la dissolution du critère national au bénéfice du spectre géopolitique de la globalisation et de la mobilité et du flux des identités transnationales, que ABC Art Belge Contemporain prend ses
marques.
En tant qu’institution située aux frontières de la Belgique où viennent s’y croiser les tendances de toutes les scènes régionales de ce pays, Le Fresnoy a fait sa sélection en partant de l’intégralité d’un large spectre et soutient précisément l’accentuation des fractures plutôt qu’il ne cherche à démontrer les zones d’intersection et à défendre une communion des styles. Pourtant,
poser la question de ce qui relie entre eux de jeunes artistes et moins jeunes en Belgique ne va pas sans s’interroger sur la teneur d’une incontestable cohésion, de concordances et d‘échanges entre les différents pôles urbains.
Il existe bel et bien une jeune scène émergente spécifique en Belgique.
En témoigne la profusion d’initiatives artistiques, l’intérêt soutenu des “décideurs” internationaux, collectionneurs, curateurs, et la présence de jeunes artistes dans des événements à travers le monde.
Cette exposition se veut un premier aperçu subjectif et diversifié qui révèle les lignes de force, les points communs et le parcours d’une génération et de quelques-unes de leur source.

ABC Art Belge Contemporain sera donc une exposition dénuée de la
volonté de faire un point exhaustif de la diversité de la scène belge
contemporaine. Les vocations dominantes et les arts plus particulièrement enseignés et pratiqués au Fresnoy ont constitué un critère prioritaire de sélection : photographie, cinéma, vidéo, installation, performance, chorégraphie.
Et ce sont les domaines où précisément la Belgique s’est distinguée ces vingt dernières années, puisant au sein d’un héritage marqué par le cinéma documentaire, par le cinéma consacré aux autres arts, par le cinéma expérimental – et son festival légendaire de Knokke le Zoutte – et enfin par sa tradition anarcho-dadaïste… Et tout simplement, par la poésie des attitudes hors limites et des spectaculaires provocations.
Enfin, l’exposition fait l’hypothèse – et c’est son second critère de sélection qui organisera son parcours –, que la Belgique est probablement le seul pays au sein duquel cohabitent intensément deux tendances absolument contradictoires de l’art après 1945 : un courant minimaliste et fortement affiché comme découlant d’un processus mental et un courant post-dadaïste, parfois potache, au risque de l’idiotie burlesque ; autrement dit une singulière coexistence et surtout des passerelles qui les relient de manière
absolument inédite, entre l’art conceptuel et l’art de l’objet. Véritable dialectique, quasiment un oxymore plastique, qui donne toute sa spécificité, son relief et sa séduction à l’art de Belgique.

with:
Sven AUGUSTIJNEN, Le guide du parc, 2001
Stephan BALLEUX, Franky, 2007
Orla BARRY, oeuvre en cours de sélection
Guillaume BIJL, James Ensor à Oostende, 2005
Ricardo BREY, Birdland, 2001
Marcel BROODTHAERS, La pluie, 1969
Le CAP, associé au cabinet de Lennep
Dominique CASTRONOVO et Bernard SECONDINI, Tout vite, tout voir, tout
avant de disparaître,2007-2008
Jacques CHARLIER, Canalisations souterraines, 1969
David CLAERBOUT, Long Goodbye, 2007
Léo COPERS, Le voyant aveugle IV, 2006
Patrick CORILLON, oeuvre en cours de sélection
Jef CORNELIS, soirée
Manon DE BOER, soirée, projection de Inner Beats, 2010
Jos DE GRUYTER et Harald THYS, The Spinning Wheel, 2002
Edith DEKYNDT, Martial M, 2007 + XY 02, 2007 + Slow Object 03 +
Grey Song 02, 1996-2009
Wim DELVOYE, oeuvre en cours de sélection
Thierry DE MEY, soirée, projection de films
Stefaan DHEEDENE, Billy, 2006
Honoré D’O, Elusive Cities
Lili DUJOURIE, Hommage à … I, II, III, IV
Eric DUYCKAERTS, soirée, vidéos
Jan FABRE, Spinnenkoppentheater, 1979
Michel FRANÇOIS, Last Flag + Autoportrait contre nature, 2001
Jeff GEYS, vidéo en cours de sélection
Johan GRIMONPREZ, Double Take, 2008
Ann Veronica JANSSENS, Untitled, 2009
Christian KIECKENS, documentations
Marie-Jo LAFONTAINE, Alice in Wonderland
Jacques LENNEP, cabinet d’archives
Jacques LIZENE, installation Vidéo nulle en remake, 1984/2010
Capitaine LONCHAMPS, Neiges,
Emilio LOPEZ MENCHERO, Trying to be Balzac, 2002
Erwan MAHEO, Anticlock, 2008
Wesley MEURIS, Cage for Galago crassicaudata, 2005
Johan MUYLE, Ceci n’est pas une pipe, 2007
Jacques-Louis NYST, L’idée de la couleur, 1976
Hans OP DE BEECK, Extensions, 2009
PANAMARENKO, oeuvre en cours de sélection
Pol PIERART, Autoportrait avec ma ville natale + Film n° 1
Gwendoline ROBIN, Pauvre Gwen, 2005 + Autoportrait
(Explosion de la tête), 1997
Koen THEYS, Patria (Vivel le Roi ! Vive la République !)
Ana TORFS, Toast, 2003
Els VANDEN MEERSCH, Rau?me, 2008
Emmanuel VAN DER AUWERA, Sans titre (dessins)
Sophie WHETTNALL, Recording the light, 2001
h5. PPP, Private Public Painting

PUBLIC PRIVATE PAINTINGS
9 oktober 2010 – 9 januari 2011
Mu.ZEE

Een eerbetoon aan het verzamelbeleid van de privéverzamelaars

Met de tentoonstelling Public Private Paintings wil het Mu.ZEE een stand van zaken opmaken van de hedendaagse schilderkunst.

Om een beter inzicht te krijgen in de actuele problematiek van het schilderen willen we onderzoeken wat in Vlaanderen en Brussel de laatste tien jaar door particulieren en musea aan recente schilderijen, zowel van Belgische als van internationale kunstenaars, is verworven. In een poging om het belang en de betekenis van de hedendaagse schilderkunst te omschrijven en te verklaren, vertrekt de tentoonstelling niet vanuit een voorstel van de schilderkunst, maar vanuit het kunstwollen van het individu of van de gemeenschap.
Door recente schilderijen uit Belgische musea en particuliere verzamelingen samen te brengen en met elkaar te confronteren, worden talrijke vragen opgeroepen die in deze tentoonstelling op een visuele manier worden voorgesteld. Aangezien de tentoonstelling plaatsvindt in het museum, is het voor Mu.ZEE een gelegenheid om zich op een kritische manier in vraag te stellen. Tegelijkertijd is Public Private Paintings een eerbetoon aan de privéverzamelaar.

De tentoonstelling Public Private Paintings is het resultaat van een vruchtbare discussie binnen het Comité Mu.ZEE waarin zowel museummensen, historici als verzamelaars vertegenwoordigd zijn.

Is de verzameling nog de kurk waarop het museum drijft – om de uitspraak van museumdirecteur Edy de Wilde te parafraseren?

Uitgangspunt

Wegens het enorme aanbod en de grote versplintering van de artistieke productie is het de dag van vandaag wellicht onmogelijk geworden om een stand van zaken van de hedendaagse schilderkunst op te maken. Of nog, hedendaagse kunst is zo pluriform geworden dat het idee van een ordelijk overzicht een illusie is. Niemand gelooft vandaag nog in een overkoepelend verhaal van de kunstgeschiedenis.

1. Wat is er van de schilderkunst aan het begin van de 21ste eeuw en hoe verhoudt de Belgische schilderkunst zich ten opzichte van de internationale context?
2. Hoe en waarom is deze schilderkunst in de musea vertegenwoordigd?
3. Hoe en waarom is deze schilderkunst in de particuliere verzamelingen vertegenwoordigd?

Voorstel Werkwijze PPP: een dialoog tussen privéverzamelaar en Mu.ZEE

- De privéverzamelaars worden uitgenodigd om 2/3 kunstwerken te selecteren uit hun collectie. Waarom kiezen ze voor een bepaalde kunstenaar en/ of schilderij? Welk verhaal hangt er aan vast? – Daarnaast vragen we de verzamelaars of de directeur van Mu.ZEE eveneens 2/3 kunstwerken mag selecteren uit hun collectie. Waarom kiest hij voor een bepaalde kunstenaar en/ of schilderij? Welke verhaal koppelt hij aan zijn keuze?

Drie vragen voor de verzamelaar

- Welk werk uit hun verzameling moet zeker in de tentoonstelling zitten? – Welk werk (kunstenaar) hebben ze onlangs ontdekt en hoe?
+ de verhalen die bij hun keuze horen.

De schilderkunst

- Wat wordt vandaag als ‘hedendaagse’ schilderkunst aanvaard? – Wat zijn de internationale tendensen? – Hoe verhoudt de Belgische schilderkunst zich tegenover deze internationale tendensen? – Ontstaat het schilderij vanuit een innerlijke noodzaak of vanuit een antwoord op het verlangen van het individu of van de gemeenschap? (cfr. “l’époque, la mode, la morale, la passion” van Baudelaire) – Is de innerlijke noodzaak (self-definition) van de kunstenaar compatibel met commercieel succes? – Beantwoordt de positionering van de kunstenaar (self-definition) aan het fantasme van het (grote) publiek, van de instelling of aan dat van de privé-verzamelaar?

Het museum

- Zijn de musea voor hedendaagse kunst representatief voor wat er vandaag gemaakt wordt? – Kunnen ze dat nog zijn? Moeten ze dat zijn? – In welke mate heeft het museum (in tegenstelling tot de verzamelaar) in haar aankoopbeleid belangstelling voor de actualiteit van de schilderkunst? – Behoort dit tot haar taak en heeft ze hiervoor de nodige middelen? – Vertegenwoordigen de musea deze gemeenschap of vertegenwoordigen ze alleen zichzelf als (wetenschappelijke) instelling? – Verzamelt het museum op lange of op korte termijn? – Is de historische dimensie compatibel met de actuele opdracht? – Is het recente verschijnsel van verzamelaars die hun eigen museum openen een zinvolle aanvulling op of een mooi alternatief voor het museum of ziet het museum dit als oneerlijke concurrentie? – Hoe kan het museum dezelfde dynamiek ontwikkelen als de verzamelaar? – Is de onvervreemdbaarheid van de werken een rem op deze dynamiek, of integendeel een garantie voor het niet-speculatief verzamelen? – Is elk museum gedoemd om een provinciaal museum te worden dat enkel nog zijn eigen (streekgebonden) geschiedenis vertelt?

De particuliere verzameling

- Hoe verhouden de Belgische particuliere verzamelingen zich ten opzichte van de Belgische en internationale actualiteit? – Bestaat de particuliere verzameling enkel in het hier en nu? In welke mate houdt ze rekening met haar eigen geschiedenis? – In welke mate worden de verzamelaars (maar ook de musea) beïnvloed door de kunstmarkt? Door de kunstkritiek? Door tentoonstellingsmakers? – En omgekeerd, welke elementen maken dat de privéverzamelaar een bevoorrechte en invloedrijke relatie kan opbouwen met zowel kunstenaars, tentoonstellingsmakers en galeries? Waarom doen musea dit niet (meer) – meer in de betekenis van meervoud en opnieuw?

Relatie museum – particuliere verzameling

- Hoe verhoudt de particuliere verzameling zich ten opzichte van het museum? – Hoe verhoudt het museum zich ten opzichte van de particuliere verzameling?

PPP toont in de eerste plaats ook de kunstenaar en het kunstwerk, zijn of haar positie in de 21e eeuw:

Volgens Lucy McKenzie dient de kunstenaar niet noodzakelijk een “global nomad bureaucrat” te zijn: “(…) Rather something closer to the classical artisan, but one who nevertheless creates their own language, relationship to commerce and self-definition. Social engagement within contemporary art is itself a form of trompe l’oeil. I admit that my position in this is unclear, appropriate under one set of criteria and questionable under another”.

Phillip Van den Bossche & Comité Mu.ZEE, juni 2010

DE DÜRER A JAN FABRE. Chefs-d’oeuvre

DE DÜRER A JAN FABRE. Chefs-d’oeuvre
Le Musée d’Ixelles vous invite à découvrir sa nouvelle exposition De Dürer à Jan Fabre. Chefs-d’œuvre présentant les œuvres les plus prestigieuses de sa collection.

De Albrecht Dürer à Jan Fabre, en passant par James Ensor, Henri de Toulouse-Lautrec, Théo Van Rysselberghe, Constant Permeke, Gustave de Smet, Pierre Alechinsky ou encore Auguste Rodin, Francis Picabia, Pablo Picasso, Joan Miró ou Ann Veronica Janssen, les œuvres qui jalonnent la visite du Musée d’Ixelles s’offrent au public comme un parcours éblouissant.

Les principaux courants de l’art belge et européen des XIXe et XXe siècles sont représentés par des œuvres d’exception témoignant tant de l’originalité de notre culture nationale que de la richesse des collections du Musée d’Ixelles.

Joyaux de la Commune d’Ixelles, les collections de son Musée lui assurent un rayonnement à l’échelle internationale. Elles sont régulièrement sollicitées pour des prêts à l’occasion d’expositions prestigieuses dans le monde entier. Le visiteur a aujourd’hui l’opportunité exceptionnelle de voir ses chefs-d’œuvre réunis pour cette exposition.

The Museum of Ixelles invites you to its latest exhibition From Dürer to Jan Fabre: Masterpieces which presents some of the most esteemed works of its collection. From Albrecht Dürer to Jan Fabre and everything impressive inbetween, you will find James Ensor, Henri de Toulouse-Lautrec, Théo Van Rysselberghe, Constant Permeke, Gustave de Smet, Pierre Alechinsky, Auguste Rodin, Francis Picabia, Pablo Picasso, Joan Miró and Ann Veronica Jansen.
Major trends in Belgian and European art of the 19th and 20th centuries are here – realism, impressionism, neo-impressionism, expressionism and surrealism, right up to the protean experiments of modern and contemporary art. Such exceptional works are testament to the originality of our national culture as well as the richness of the collections at the Museum of Ixelles.
Taking a refreshing tour around the setting of the Museum, the visitor is able to experience pleasure, wisdom and precision as the works are organized thematically across the centuries (still life, portraits, landscapes, artists workshops, animals…)
These jewels of the Commune of Ixelles ensure the Museum an international reputation and are regularly requested for worldwide prestigious exhibitions. This exhibition offers the public an exceptional opportunity to view these masterpieces together.

Portraits d’artistes

Un projet de collection
« Portraits d’Artistes /Kunstenaarsportretten » est un projet initié par la Fondation SMartBe. Celle-ci a décidé de constituer une collection d’œuvres d’art contemporain en lien avec sa mission et ses objectifs, c’est-à-dire la représentation et la défense des artistes et des intermittents.

La collection « Portraits d’Artistes / Kunstenaarsportretten », initiée en 2008, s’articule autour des axes suivants : autoportraits, portraits d’autres artistes ou de leurs œuvres, créations relatives à des artistes fictifs, citations et évocations d’œuvres, rapports artistes et société.

Une collection ouverte par ses axes et ses choix. Une collection qui couvre et confronte plusieurs générations d’artistes ayant recours à un éventail de disciplines (notamment peinture, sculpture, installation, photographie, dessin, illustration, littérature, musique, théâtre, vidéo). Une collection qui réunit aussi bien des artistes reconnus sur les scènes nationale et internationale que des artistes émergents, Une collection qui confronte un panel d’esthétiques pour mieux cerner le propos, le visage, l’image, voire un moment du parcours des artistes. Des choix qui se fondent sur la qualité des œuvres et sur la spécificité de leur apport à la collection. Un projet qui devrait se développer dans les prochaines années.

L’exposition « Portraits d’Artistes / Kunstenaarsportretten », ouverte une première fois lors du Parcours d’Artistes de Saint-Gilles en mai 2010, a reçu le label pour faire officiellement partie du programme culturel de la Présidence belge du Conseil de l’Union européenne. L’exposition sera donc prolongée jusqu’au 18 décembre 2010.

La collection sera complétée par d’autres œuvres des artistes ainsi que par des œuvres commandées par SMartBe pour ses publications et un clip vidéo d’un groupe de musique à qui la Fondation a accordé une bourse. Un musicien a reçu une commande pour une composition intitulée « Portraits d’Artistes » et un appel à création a été lancé à des plasticiens, scénographes et décorateurs pour le Parcours d’Artistes.

L’exposition est présentée dans l’atmosphère particulière d’un ancien bâtiment industriel dans l’enceinte SMartBe. Œuvres de : Philip Akkerman (NL), Hélène Amouzou (Togo),Thomas Bacher (US), Alain Bachet (FR), Stephan Balleux (BE), Michel Binstok (BE), Roland Breucker (BE), Jacques Brissot (FR), Pierre Buraglio (FR), Thomas Chable (BE), Jacques Charlier (BE), Jean-Jules Chasse-Pot (FR), Philippe De Gobert (BE), Lara Denil (BE), Manuel Hermia (BE), Teun Hocks (NL), Jean Le Gac (FR), Jacques Lennep (BE), Emilio López-Menchero (BE), Michael Matthys (BE), Raymond Minnen (BE), Pierre Molinier (FR), Laurent Sfar (FR), Thierry Zéno (BE) et des artistes invités.

Reflux stills

Coup de ville

Coup de Ville is a city festival and exhibition of contemporary art in private and public locations in the city centre of Sint-Niklaas, Belgium. The title symbolically refers to an ‘occupied city’.

The exhibition features the works of some 50 artists from around the world, and runs from September 12 till October 24. From October 1 till 5, the city’s market square will be turned into an Artist Village: an eating, meeting and working place for international young artists.

Coup de Ville is organised by contemporary art platform WARP and curated by Stef Van Bellingen and Jan Hoet. The exhibition / city festival is inspired by Hoet’s ‘Chambres d’Amis’, and aims to inspire a dialogue between contemporary art and its surroundings, and between artists and city dwellers. Key notions are integrity-led artistic engagement, dialogue, superseding cultures and generations.

with
Stephan Balleux
Marc Bijl (Nederland)
Katinka Bock (Duitsland)
Michaël Borremans
Daniel Buren (Frankrijk)
Johan Creten
Eric Croux
Flavio Cury (Brazilië) (o.v)
Hans Demeulenaere
Fred Eerdekens
Nezaket Ekici (Turkije)
Elmgreen & Dragset (Denemarken / Noorwegen)
Jarg Geismar (Duitsland)
Tue Greenfort (Denemarken)
David Hammons (USA) (*collectie SMAK)
Eisa Jocson (Philippines)
Bren Heymans + Djo Moembo (D.R. Congo)
Silke Koch (Duitsland)
Oliver Lutz (USA)
Wesley Meuris
Nandipha Mntambo (Zuid-Afrika)
Haifeng Ni (China) (o.v.)
Honoré d’O
Hans Op de Beeck (*collectie MUHKA)
Monika Sosnowska (Polen) (o.v.)
ere Recarens (Spanje)
Giovanni Rizzoli (Italië)
Egill Saebjörnsson (Ysland)
Kelly Schacht
Fatou Kande Senghor & Waru Studio (Senegal)
Bart Stolle (o.v.)
Stefanos Tsivopoulos (Griekenland)
Veronika Tzekova (Bulgarije)
Guido Van de Werve (Nederland)
Annemie Van Kerckhoven
Hannes Van Severen
Eva Vermandel (B/ UK)
Angelo Vermeulen & Tine Holvoet
Martin Walde (Oostenrijk)

Few pictures of the making of my wall painting:

miXed

NotFair

Artbarter Berlin

Art Barter – The Platform For Exchange Between Artists And The Public
The first Art Barter show was held in November 2009 at The Rag Factory in London where 50 artworks were on display without artist’s names, titles, prices or descriptions being attached, thus leaving the viewer open to a pure aesthetical interpretation. Please see the barter page for a full overview of the results of the first show

After the successful launch of its first show in London last year, which featured artists such as Tracey Emin, Gary Hume, Gavin Turk and Mat Collishaw, Art Barter has now landed in Berlin.

Our second event will be held from June 24th to 27th in conjunction with the .HBC space on the Alexanderplatz, and will showcase the work of 25 Berlin based established and emerging artists.

The Art Barter event revolves around the idea that artwork will be acquired by individuals through alternative means to money. There is a catch at Art Barter where you will not know which artwork belongs to which artist until after the show’s end. This will create a gamble for the public and will make people value the art for what it really is. What’s more, Art Barter allows art to become available to a more diverse crowd than only people with disposable income, involving them in a fun way. Having to barter will also make them think about what they have that is unique to offer the artist.

So whether you have a special talent or skill to offer or something that may be desirable to others, or if you just wish to view a great exhibition and try your luck with bartering, come down and become part of Art Barter!

Sui Generis

From 19 March to 08 May 2010
Opening 18 March 2010 from 6pm to 9pm

For his next solo exhibition (March 2010) at think.21 gallery, Stephan Balleux will present two specific projects which will be works exclusively on paper.

Continuing his work on paint as a subject in itself, Stephan Balleux develops an allegory of the pictorial medium as a prehension of the world. As he gives access to a type of monstrous beauty, painting becomes above all, a way of questioning the human condition.

The first part of the exhibition opens up to a prop wall covered in black and white images, a set of watercolour drawings depicting the colonial times.

The artist modifies these images by combining, completing and superimposing them in order to divert their original meaning and release a metaphorical and new narrative dimension.This results in a series of works of small sizes where collective stories, personal histories, poetry, humour, fantasy and the view of art unfolds without the spectacular.

The second part of the exhibition radically contrasts with the narrative of the first one. It is composed of charcoal and pastel drawings. Balleux’s works here take the shape of organic forms that are set up within different interior settings.

Their near gigantic format, almost allows a tangible relationship with the image, where one can almost immerse into it.

By re actualizing a traditional topic of the 17th century, «the genre scene», Stephan Balleux pushes the boundaries of this theme to the extreme point where the concept of interior becomes the representation and the metaphor and through this reveals the psychological aspect and the sensitive intimacy of every space.

Young Collectors #2 : JoMo Art Collection Belgium

Young Collectors is a series of three exhibitions with works from three collections from Germany, Belgium and the Netherlands, including lectures, a symposium and discussions about the function and meaning of young collectors and their approach towards collecting and the art world.

Who are these young collectors ?
What do their collections look like ?
What motivates their choices ?
What is their influence ?
What is the dynamic and communication ?
How do they relate to a museum, a gallery or the idealistic art-initiative ?

In this exhibition, Johan Delcour and Monia Warnez will show works from their collection. In daily life, they are the owners of the professional photolab Fotorama (Wevelgem, Belgium). As curators they were responsible for the exhibition ‘Amusez-vous’ in Gallerie Koal (Berlin, Germany) about the influence of entertainment in the art world. This spring, they are curating ‘Tool’ for the International Fotofestival of Knokke-Heist (Belgium), in which artists using photography to reflect on the illusion which is created by the commercial industry. For the exhibition in Sign, they selected work of Jana Gunstheimer (DE), Michaël Aerts (BE), Anneke Eussen (NL), Adam Leech (USA), Léon Vranken (BE), Kati Heck (DE), Léopold Rabus (CH), Sascha Weidner (DE), Joris Van de Moortel (BE), Veronica Brovall (SE), Stephan Balleux (BE), Artists Anonymous (DE) and Norbert Bisky (DE).

Extra on march 13, 2010 at 3pm : Singelzaal, Radesingel 6, Groningen :
Conversation between Johan Delcour and Monia Warnez and Tanguy Eeckhout, artistic scientific staff member of the Museum Dhondt-Dhaenens at Deurle (Belgium), about the JoMo Art Collection, about the collectors enviroment in Belgium and the relationship between museum, curator and collector.

Avec le temps, In time

AVEC LE TEMPS – IN TIME

CURATED BY TIM GOOSSENS

STEPHAN BALLEUX, DIRK BRAECKMAN, KOENRAAD DEDOBBELEER, EDITH DEKYNDT, PHILIP METTEN, WILLEM OOREBEEK, ELS OPSOMER, FABRICE SAMYN, PIETER VERMEERSCH

November 5 – December 23, 2009

Opening Reception: November 5, 6-8pm

New York, NY – October 2, 2009. Robert Miller Gallery is pleased to present Avec le temps – In time. Curated by Tim Goossens, this inter-generational exhibition will include nine contemporary artists who live and work in Belgium. A number of the artists included in this exhibition are either debuting in the United States or presenting installations created especially for the occasion.

The title of the exhibition is derived from a song by the late Leo Ferré, and the works included bear references to time: either in a formal time-based, performative way or in direct reference to history, nostalgia, memory, reproduction and a fading in time. Encompassing artists from both a newer generation and those that are internationally recognized, the exhibition aims to give an overview of the Belgian contemporary art scene of today. This flourishing scene capitalizes on the country’s central location and its long history of artistic support to create a productive art center.

Works in the exhibition include the installation Time’s Grave by the young Brussels-based artist Fabrice Samyn (b. 1982), which shows an oversized hand-blown hour glass. Huge amounts of sand, visible from the street, spill out over the floor of the gallery to welcome the visitor. Also on view are Samyn’s large scale photographs of various Old Masters paintings detailing the navels of Adam and Eve. As the first humans in the Christian tradition, they are not supposed to have these human marks of our ascendance. By blowing up these images, the viewer recognizes abstract forms that recall patterns of stars in the night sky, which – in their turn – recall the beginning of history, and humanity.

In the adjacent gallery, Pieter Vermeersch’s (b. 1973) ambitious installation combines an intervention on the window of the gallery with an installation of color gradation on the wall. The piece changes constantly under the influence of day light, thus challenging the veracity of the viewer’s optical perception and engaging the history of painterly reproductions of those perceptions and the distortions inherent to that tradition.

Dirk Braeckman’s (b. 1958) photographs, the majority of them in black and white, focus on abstract spaces, domestic interiors and other loci of the built environment. The subtle range of tone and the extraordinary matte surface of his gelatin silver prints give these images an enigmatic presence. Flatness and depth become difficult to discern, paradoxical.

A 16 mm projection by Els Opsomer (b. 1968) documents the activity in an Istanbul square during the annual two minute silence commemorating Atatürk, the founder of modern Turkey. In this national ritual, which begins at 9:05 a.m. on November 10th – the exact moment of his death, time stands still. The entire country stops all activities, including all vehicular and pedestrian traffic.

Black-outs by the Dutch-born artist Willem Oorebeek (b. 1953) provide an example of his practice of covering found images with a layer of black ink, thus creating subtle surfaces wherein the viewer discovers traces of the original depictions.

The idea of what is real and what is fake is further questioned in the works of sculptor Koenraad Dedobbeleer (b. 1975). By synthesizing what appear to be found objects, the artist engages in a non-scientific study of possibilities.

Similar research is also apparent in the work of Edith Dekyndt (b. 1960): the video projection Martial M explores the phenomena of the magnetism of the Earth in a surprisingly poetic way, giving proof of how the artist’s conceptually and theoretically rigorous processes do not exclude a subjective answer.

Stephan Balleux’s (b. 1974) large scale oil paintings debate the reality of materiality. In these recent works the artist constantly questions the continuing role of painting in times of digital reproduction and virtual worlds.
For the opening event on November 5, the Belgian musician Tim Van Hamel (b. 1977, dEUS, Millionaire, Queens of the Stone Age) will perform in a debut collaboration with the visual artist Philip Metten (b. 1977). This performance, especially created for the exhibition, will use a sound costume with imbedded electronic pads and neon lights.

Extropians

Extropians believe that advances in science and technology will some day let people live indefinitely and that humans alive today have a good chance of seeing that day. An extropian may wish to contribute to this goal, e.g. by doing research and development or volunteering to test new technology.

Each of the artists in this show relates to extropian values in some way. Topologies speak about using new and old technology to bring together science and art. In their works the artefacts of science are treated with something approaching reverence.

Tony Lloyd and Giles Alexander make paintings which render a rational world of science and reality with emotion and a sense of awe which owes something to the treatment of the sublime in romantic painting.

O’Loughlin ruthlessly catalogues and analyses his own life, producing books of data and tantalizingly indecipherable charts.

Stephan Balleux applies technology to the process of painting itself, producing works which are a detailed analysis of their own manufacture, yet at the same time creating works which are depictions of hybrid entities – transhuman creatures, part paint and part flesh.

Toshiya Tsunoda and Michael Graeve use sound as a way to extend the normal range of human perception. Tsunoda’s use of contact microphones makes it possible to hear the normally inaudible vibration of physical materials. Graeve’s work uses hifi equipment and painting to produce interactions, interferences and resonances between human gesture and machine process.

In these works technology is used to extend the possible range of human experience or hint at transhuman or post-human hybrids. The scientific process is mythologised in a way which, if not unquestioning, is at least optimistic about the possibility for scientific progress.

The rapture of Science, interview with Sam Leach

Common ground

Although the artists all have different cultural origins, they all have worked and lived in Flanders, particulary Antwerp, and now, meet again in Berlin.

Maryam Nadj is an Iranian artist who lived for 15 years in Antwerp and is now, since two year, living in Berlin. Hadassah Emmerich is a Dutch artist who for some years studied at the Higher Art Institute in Antwerp and later moved to , as well as the Brussels painter Stephan Balleux. The Iranian-German artist Haleh Redjaian settled in Berlin after she lived and studied in Antwerp for 7 years.Tom Liekens recently, changed his Antwerp appartement for a Berlin studio.

So, eventhough they all have very different backgrounds, they have shared, and now again share, a common ground, formerly in Antwerp, and now again in Berlin: so, it is not only the love for art, drawing and painting that binds them, but also these two countries.

COMMON GROUND
Eine Ausstellung von Maryam Najd, Hadassah Emmerich, Stephan Balleux, Haleh Redjaian, Tom Liekens.
Fr-So 14.00-18.00 Uhr
Mo-Do nur nach Vereinbarung

Trotz unterschiedlicher Herkunft, haben die fünf beteiligte Künstler einen gemeinsamen Hintergrund: Sie lebten alle für längere Zeit in Antwerpen und studierten oder arbeiteten dort. Jetzt treffen sie sich wieder in Berlin. Einen „Common Ground“ haben sie also nicht nur durch ihre Leidenschaft für das Zeichnen und Malen sondern auch wegen ihres Aufenthalts in Flandern.
Maryam Najd (1965, Teheran) kommt aus Iran, lebte fünfzehn Jahre in Antwerpen und wohnt jetzt seit zwei Jahren in Berlin.
Die niederländische Hadassah Emmerich (1974, Heerlen) studierte am HISK (Hoger Instituut voor Schone Kunsten) in Antwerpen und zog im Anschluss daran nach Berlin.
Genauso tat es Stephan Balleux (1974, Brüssel), der aus Brüssel emigrierte.
Die iranisch-deutsche Haleh Redjaian (1971, Frankfurt am Main) zog nach Berlin nachdem sie sieben Jahre in Antwerpen wohnte.
Und Tom Liekens (1977, Bonheiden) fing seine Laufbahn in Antwerpen an, aber lebt seit kurzem ebenfalls in Berlin.h5. the last session

THE LAST SESSION

Curated by Jan Van Woensel

The Session is a collective of eight international designers and artists based in Amsterdam that creates thematic and interdisciplinary fanzines since September 2007. Belgian-American curator Jan Van Woensel (who lives and works in New York, San Francisco, and Los Angeles) is the first external editor, curator, and concept developer appointed by the members of The Session. Van Woensel curates a special edition around the theme of Endism and is not only a hard copy publication, but also takes the form of an international group exhibition, performances, curated film screenings, and live bands.

The Session does not work with a standard form or a recurrent basic theme, but produces on the basis of a regular process. Per session, one of the eight artists and designers determine the theme. This person is then also responsible for the editing, the design and production. This time Jan Van Woensel fulfils this role.

The Session is: Jens Schildt, Staffan Björk, Monica Tormell, Tomas Adolfs, Tarja Szaraniec, Matthias Kreutzer, Kalle Mattsson and Orpheu De Jong

Jan Van Woensel curates a The Last Session publication release party at Envoy Gallery in New York City on October 4th, 2009. More details will follow.

THE LAST SESSION: focuses on the aesthetics of endism. Endism in our culture embraces many forms, and partially touches everyone’s life in its connection with death. Endism is an attitude as much as a myth, a sense of foreboding as much as a given story, an orientation to ultimate concerns as much as a commitment to a specific end time narrative. Endism describes the future location and deepest yearnings of the self. Endism is process and vision. It cuts against all logic, is usually mystical, and may become magical. [Themes related to The Last Session are: fear, hope, apocalypse, conflict, war, loss, despair, disappearance, mythology, belief, aliens, UFO, survival, psychology, psychoanalysis, sociology, existentialism, suicide, sects…]

The cinema will include three nights of curated film screenings by KOMPLOT, a curatorial collective based in Brussels, the in Amsterdam based collective The Session, and myself.

The publication will include new art theoretical essays related to Endism, by the following authors: John R. Hall (Professor in Sociology at UC Davis, CA, USA), Niels Van Tomme (independent curator, NY, USA), Ben Overlaet (philosopher, Antwerp, Belgium) Ruba Katrib (curator MOCA, Miami, USA) and Jan Van Woensel (independent curator NY, USA and professor at CCA, CA, USA).

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The Session is een thematisch en interdisciplinair fanzine dat sinds september 2007 gemaakt wordt door een collectief van acht jonge, internationale ontwerpers en kunstenaars, allen afgestudeerd aan de Rietveld Academie in Amsterdam. Speciaal voor deze editie, The Last Session, neemt The Session de vorm aan van een expositie, een publicatie en een releaseparty met cinema, bands en performances. Curator Jan Van Woensel (werkzaam in New York en San Francisco) fungeert als redacteur/curator en is de ontwikkelaar van het concept. Tientallen Vlaamse, Nederlandse en internationale kunstenaars, ontwerpers, performers, filmmakers en schrijvers leveren een bijdrage.

The Session heeft geen standaardvorm of terugkerende inhoudelijke grondslag, maar produceert aan de hand van een vast proces. Per ‘session’ bepaalt een van de acht kunstenaars en ontwerpers het thema. Deze persoon is dan tevens verantwoordelijk voor de redactie, vormgeving en productie. In overleg met de anderen maakt hij of zij ook de keuze voor een aantal gastbijdrages. Vervolgens vindt er als gezamenlijke start een ‘session’ plaats, die meestal een dag in beslag neemt. Hierna hebben alle leden een paar weken de tijd om individuele ideeën uit te werken en is het aan de redacteur om er een geheel van te maken.

The Session is: Jens Schildt, Staffan Björk, Monica Tormell, Tomas Adolfs, Tarja Szaraniec, Matthias Kreutzer, Kalle Mattsson en Orpheu De Jong
Redacteur/curator: Jan Van Woensel

http://www.thesession.nl/ www.icpabackstage.blogspot.com

Balleux/Hanenbergh

FADING

Sur le thème de « l’effacement” de l’image dans les arts visuels contemporains, cette exposition et son livre réunissent, pour la première fois, l’œuvre de quarante-cinq artistes belges très talentueux – tous actifs sur la scène artistique internationale – dans cette optique particulière. À travers nonante œuvres d’art, « Fading » examine comment ces artistes ont élaboré, en confrontation avec la société de consommation et d’information multimédia contemporaine, leur propre langage visuel critique, pour tester les limites de l’effacement dans l’espace pictural. L’exposition et le livre qui y est consacré comparent les différentes dimensions artistiques de la reconstruction de l’image. L’absence suggérée, la présence qui s’impose ou la condition imaginaire de l’œuvre d’art forment la base de cette picturalité.

een artikel van de standaard door Jan Van Hove

Last day of magic

Videos: Vanessa Albury, Stephan Apicella-Hitchcock, Armelle Aulestia, Stephan Balleux, blackmoth, Bosko Blagojevic, Sara Blaylock, Rudi Bogaerts, Dolores Bouckaert & Benny Vandendriessche, Monika Bravo, Fia Cielen, Pierre Clemens, Aoife Collins, Marthe Fortun, Anthony Fuller, Pieter Geenen, Matthew Green, Mark Gubb, Bettina Hutschek, Swati Khurana, Melanie Lafille, Lauren Lavitt, Michael Mallis, Jenny Marketou, David Matorin, Yvette Mattern, Jillian McDonald, Martin Murphy, Rebecca Najdowski, Alexandra Navratil, Ruth Oppenheim, Deniz Ozuygur, Jenny Perlin, Lee Ranaldo, Steve Schepens, Tim Segers, Joaquin Segura, Sigga Björg Sigurdardóttir, Eric Van Hove, Ana Wolovick, Frank Zadlo

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LAST DAY OF MAGIC Project started as an art and theory workshop at California College of the Arts in San Francisco, CA, during which the artists were confronted with the suggestion that “today you live, tomorrow you’ll die, what will you do on your last day (of magic)?” In-group, the artists designed rituals about departure and transformation. The rituals are designed with a personal significance and shamanic purpose. They examine the artist’s interpersonal experiences with belief, sacrifice, loss, disappearance, and memory. These rituals were performed on March 28th in Marin County, North of San Francisco, and documented in video. Last Day of Magic was a melancholic journey to the metaphoric edge of the cliff of life where the artists took halt, built a secret community and resided.

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LAST DAY OF MAGIC Video is an examination of illusion as well as disillusion that magic provides in culture: the search for the intangible; the revealing of deception, the removal of what’s obscuring. Magic changes the perception of reality. Last day of Magic video is a curated film screening about secrets, lies, false beliefs, melancholy, disappearance, tragedy and transgression.

no style no glory

Les œuvres contemporaines ne se suffisent-elles pas à elles-mêmes ? Pourquoi les trouve-t-on si souvent associées autour de thèmes qui, il faut bien le reconnaître, échappent parfois aux artistes ? C’est une figure devenue classique : le commissaire d’exposition se pose en créateur par l’assemblage de telle pièce à telle autre autour de questions philosophiques, politiques, sociétales, éthiques … le tout sous un titre de préférence obscur ; pourquoi pas No style No glory ou autre chose. Certaines expériences sont fructueuses. Les moins convaincantes prennent la forme d’un bric-à-brac colmaté ad nauseam par une pâte pétrie de l’orgueil de leur concepteur … on s’est pris dans leur catalogue à atteindre des sommets d’enflure rhétorique dignes du maire de Champignac – le ville imaginaire de Spirou et Fantasio – dans le discours d’inauguration de son propre monument commémoratif. L’exposition qui sera présentée au Musée Ianchelevici au printemps 2009 ne revendique pas de « thématique ajoutée » à celle que les œuvres développent. Stephan Balleux, Michael Dans, Messieurs Delmotte, Sophie Langohr, Jacques Lizène, Selçuk Mutlu, Frédéric Platéus, Nicolas Kosakis et Thomas Urban … sont invités à présenter leur travail au côté des œuvres d’Idel Ianchelevici. La sélection et la présentation sont en définitive l’honnête (L’art ne doit-il pas dire la vérité ?) reflet d’un certain état de la création actuelle, du sens du travail de chacun, des moyens disponibles, de l’envie des artistes d’exposer des pièces en rapport avec les collections en place …

Dans le cadre du 100e anniversaire de la naissance d’Idel Ianchelevici

Un-Scene

Picture © Sara De Bondt

During the last ten years we have beheld the emergence of a new generation of artists, in Flanders, in Wallonia and in Brussels. The exhibition focuses on 20 Belgian emerging artists. This first subjective and hypothetical perspective is curated by Wiels (Devrim Bayar, Charles Gohy and Dirk Snauwaert). The survey allows to reveal the lines of force, common traits and the individual journey of each artist of this generation. Thereby the public will discover the preoccupations and the talents of the artist. In doing so, this exhibition will not deceive all of those looking out for the artists of tomorrow.

The survey will be accompanied by screenings, performances and 4 debates organised by the magazines A-Prior, Code, Janus and Sic.
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Ces dix dernières années ont vu l’émergence d’une nouvelle génération d’artistes en Flandre, Wallonie et à Bruxelles. L’exposition rassemblera une vingtaine d’artistes belges de cette jeune génération. Ce premier portrait subjectif et hypothétique est composé par la direction artistique de Wiels (Devrim Bayar, Charles Gohy et Dirk Snauwaert). Il devrait permettre de relever les lignes de force, points communs et parcours singuliers de cette génération. En outre, il fera découvrir au public les préoccupations et les talents des jeunes plasticiens, sans manquer d’intéresser tous ceux qui, en Belgique et à l’étranger, guettent les artistes de demain.

L’exposition sera accompagnée par des projections et des performances, et quattre soirées de discussion organisées par les magazines A-Prior, Code, Janus et Sic.
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Sinds enkele jaren ziet men in Vlaanderen, Wallonië en Brussel een nieuwe generatie kunstenaars aan het werk. De tentoonstelling concentreert zich op een twintigtal Belgische kunstenaars uit deze nieuw opkomende generatie. Dit bewust subjectieve en hypothetische perspectief wordt door de artistieke directie van Wiels (Devrim Bayar, Charles Gohy en Dirk Snauwaert) samengesteld. Deze groepstentoonstelling duidt de krachtlijnen, de gemeenschappelijke punten en de individualiteiten van de jonge Belgen aan.
De tentoonstelling zal de bezoeker toelaten de interesses en het talent van de kunstenaars te ontdekken en zal de aandacht wekken van allen die uitkijken naar de kunstenaars van morgen.

Een begeleidend programma van projecties en performances en vier discussie avonden georganiseerd door de tijdschriften A-Prior, Code, Janus en Sic vult het project aan.

Artists/Artistes/kunstenaars

Agentschap/Agence/Agency
Stephan Balleux
Aline Bouvy & John Gillis
Vaast Colson
François Curlet
Michael Dans
Koenraad Dedobbeleer
Lucile Desamory
Vincent Geyskens
Tina Gillen
Geert Goiris
Valérie Mannaerts
Xavier Mary
Benoît Platéus
Frédéric Platéus
Jimmy Robert
Gert Robijns
Ivo Provoost & Simona Denicolai
Harald Thys & Jos De Gruyter
Heidi Voet

Wiels-UnScene

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Wiels-UnScene

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Wiels-UnScene

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They shoot horses don’t they

Press release:

Wardlow is proud to present Stephan Balleux. One of Belgium’s most exciting emerging artists, Balleux will be having his first Australian show at Wardlow in Fitzroy from March 5 to March 13.

Recognised for his “paintingpainting” approach, Balleux’s impressively informed conceptual figurative works have won him awards including the prestigious Albert Camus prize in 2006. Balleux has had recent exhibitions in Spain, Germany, United States and Belgium.

In Balleux’s Wardlow show “They shoot horses don’t they”, behind the entertainment lies the tragedy. The title refers to the movie of Sydney Pollack, a story taking place during the dark years of economic crisis in America, displaying the violence of existence in the context of the world’s longest dance contest. Balleux’s works can be related to the same human existential condition. The edgy violence of the painted image is in contradiction to his control over the medium. This dichotomy is always present in Balleux’s work, offering reality like a visual oxymoron: sweet violence.

Balleux is currently undertaking a 3 month residency at Wardlow. WARDLOW Art Residence and Gallery sponsors national and international artists to live, work and exhibit in an inner city Fitzroy art residence. Run by film maker Brodie Higgs in his Fitzroy warehouse come gallery come bar come speakeasy, the Wardlow model is unusual in Melbourne with the combination of the living, working and exhibitions designed to give a house of artists the time to send themselves down the rabbit hole, totally immersing themselves in their practice.

Higgs travels the world searching for the best artistic talent to bring to Wardlow. He met Balleux during a recent trip to Berlin. “I’m very excited about Balleux’s world” he says. “It is a strange pleasure to be both engrossed and challenged by the monstrous beauty inherent in his work”.

Wardlow’s residential gallery concept gives out-of-town artists an opportunity to immerse themselves in the local culture and meet Australian artists, gallerists, collectors and the art loving public. The studio has hosted artists from New York, Tokyo, Vancouver, Berlin, Auckland, Brisbane and Bermagui.

Balleux’s show will open March 5 at 8pm. 4 Wood Street, Fitzroy, Melbourne. Studio visits can be made throughout February. You are more than welcome to come in and have a chat (or drink) with the artist.

Long time no see

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Paintingpainting#24

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Father

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Mother

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The Midsummer Mariage #2_420x150cm_pastelonpaper_2009.jpg

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Freddy

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Matthew

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Sigmund

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Roger

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Jan

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Ballroom

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Gerd

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Opinion: They Shoot Horses Don’t They
A review by Tony Lloyd at artinfo.com.au

Painting Paint

Stephan Balleux. They Shoot Horses Don’t They
Wardlow Studios 4 Wood St Fitzroy
Show open by appointment 5rd of March til 13th and beyond

Last Thursday night I thought I was going to the opening of a show by Berlin based, Belgian painter, Stephan Balleux but it turned out I was a week early. I was told that it was a preview, not an opening. Whatever, I got to have a good look at the works without the usual distractions of an opening and then I spent a very pleasant evening at the bar drinking Pimms with Stephan, art impresario Brodie Higgs, and artist Sam Leach.
My immediate impression of Stephan Balleux’s paintings at Wardlow Studios was that they were a cross between Gerhard Richter and Glenn Brown. On closer inspection, I found that they were both intriguing and superbly done. His paintings combine the blurry Richteresque photographic style with highly detailed renderings of globs of textured paint. In some paintings, historical photographs are reworked with luxuriant splotches of parasitic paint which contour and obscure the subject’s faces. Landscapes and animals are transubstantiated into swirling animistic paint. In other paintings faces emerge from vivid colour fields of sticky oil paint. I feel as though I am using the word paint far too much here but I’m not sure how to get around this, these are paintings of paint. Even the pastel drawings were about paint.
I chatted with Stephan about his methods over a few glasses of Pimms which were served with generous quantities of ice and mint by the director of Wardlow Studios, Brodie Higgs. I learnt that Balleux makes plaster casts of people’s faces and covers them with the aforementioned sticky oil paint before photographing them and then painting. I learnt that he went to Art school in Brussels at the age of fourteen. He told me that he lives in Berlin but sells his work in Belgium. In the history of painting, to say that Belgium figures prominently would be an understatement. The Van Eyck brothers, Jan and Hubert, pioneered the technology of oil paint in the fifteenth century and their works are possibly the most exquisite paintings in existence. Then there are the likes of Breughel, Rubens, Van Dyck, Magritte… my point is that with such an overwhelming weight of history the idea of painting today, particularly for a Belgian, could seem like a well trammelled field, and yet here is an example of an artist who has created strategies to not only make intriguing and beautiful images but also to make painting and the substance of paint a vital concern.
Writer: Tony Lloyd

Tony Lloyd

Tony Lloyd has worked variously as an apprentice printer, a bank teller, a designer of blackjack mats for illegal casinos, a gardener, a barman, a telemarketer, a photocopyist, a research assistant’s assistant, a teacher and an actor in Thai music videos. He is currently an Artist and shows regularly in Melbourne, Sydney and Amsterdam. He has work in public and private collections in Australia, Europe, Japan and the U.S. Tony Lloyd lives and works in Melbourne.

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